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Como siempre, en EO Cine tratamos de difundir todas las actividades relacionadas con el cine oriental, sobre todo las que se realizan en la Ciudad de Buenos Aires. Por eso, ahora anunciamos el Ciclo de Cine de la India que arrancó ayer, jueves 5, en el Centro Cultural Borges. Más info acá.

El Festival de la India, que se realizará desde el 5 al 15 de este mes en la ciudad de Buenos Aires, contará con un Festival de Cine, con la proyección de películas que no se muestran en los circuitos argentinos.La inauguración del Festival de Cine será el viernes próximo y lo llevará a cabo la actriz de la India Lisa Ray, una famosa actriz de Hollywood que ha realizado numerosos films tanto comerciales como de cine arte, y que planea ahora la colaboración con la industria del cine argentino.

"Ray presentará, en el Centro Cultural Borges, su película Water y hará una pequeña introducción, pero también "dará charlas en institutos de cine, tendrá una entrevista en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y un viaje a San Luis, donde hay un gran impulso por el cine, y además hablará con directores y productores argentinos para ver la posibilidad de hacer algún trabajo", dijo a Télam el embajador de la India en el país, Rengaraj Viswanathan.

El sábado 7 se proyectará "Llamas" (1975), dirigida por Ramesh Sippy y protagonizada por Sanjeev Kumar, Amjad Khan, Amitabh Bachchan, Dharmendra, Hema Malini y Jaya Bhaduri.

El domingo 8 se exhibirá "Vamos, India" (2007), de Shimit Amin y con la actuación de Shahrukh Khan, Vidya Malvade.

El lunes 9 se proyectará el filme "Bollywood-Hollywood" (2002), dirigida por Deepa Mehta y protagionizada por Rahul Khan, Lisa Ray, Moushumi Chatterjee.

El martes 10 estará "El mundo que no se ve" (2007), de Shamim sharif y con la actuación de Lisa Ray y Sheetal Sheth.El miércoles 11 se proyectará "El corazón es loco" de Yash Chopra y con Shahrukh Khan, Madhuri Dixit, Karisma Kapoor y Akshaya Kumar.

El jueves 12 se exhibirá "El viaje de una mujer" (2007), dirigida por Pradeep Sarkar y con la actuación de Abhishek Bachchan, Rani Mukherjee y Konkona Sen Sharma.

El viernes 13 se proyectará "Esqueleto", de Chandra Prakash Dwivedi y con la participación de Urmila Matondkar y Manoj Bajpai.

El sábado 14 estará en pantalla "Hay cosas que pasan" (1998), dirigida por Karan Sohar y con las actuaciones de Shahrukh Khan, Kajol, Salman Khan y Rani Mukherji.

El domingo 15 se proyectará "La illusión encantadora" (1993), de Ketan Mehta y con Deepa Sahi, Farooq Sheik y Shahrukh Khan.

El sábado 21 se exhibirá "Un poco de amor, un poco de magia", con Rishi Kapoor, Saif Ali Khan y Rani Mukherjee.

El domingo 22 estará "Dr. Muna Bhai" (2006), de Rajkumar Hirani y protagonizada por Sanjay Dutt, Arshad Warsi, Boman Irani y Murli Prasad Sharma.

El viernes 27 se proyectará "Cuando nos reencontramos" (2007), dirigida por Imtiaz Ali y con las actuaciones de Shashid Kapoor y Kareena Kapoor.

El sábado 28 se exhibirá "Morning Raga" (2004), de Mahesh Datan y protagonizada por Shabana Azmi y Perizad Zoorabain.Y el domingo 29 estará Phir Milenge (2004), dirigida por Rebatí y con las actuaciones de Shilpa Shethy y Salman Khan.


El sábado 7 al domingo 15 de noviembre de 2009 tendrá lugar la 24º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Al igual que sus pares de San Sebastián, Berlín, Cannes, Venecia, entre otros, está calificado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Films, FIAPF, como categoría “A”, siendo, además, el único festival en América Latina con esta calificación.

La programación incluye títulos de gran nivel pero, como siempre, desde EO CINE, vamos a hacer foco en el grupo de films orientales, donde se destaca "Mother", la nueva película de Bong Joon Ho ("The Host", "Memories of murder"), que compite en la selección internacional. Pero
hay más.

En esta nueva edición, en la sección Panorama, se proyectará "Nanayo", de la directora japonesa Naomi Kawase (mirá la reseña que hicimos, y también la de "Shara"); "Taking Woodstock", una produción norteamericana del taiwanés Ang Lee; "Old Partner", documental del surcoreano Lee Chung-ryoul; "Kikoe", del japonés Chikara Iwai; "City of Life and Death", del director chino Lu Chuan; "Yuki & Nina", de Nobuhiro Suwa - Hippolyte Girardot, una coproducción franco-japonesa; "Castaway on the Moon", opera prima del surcoreano Lee Hey-jun; "Karaoke", del malayo Chris Chong Chan Fui; y "She, a Chinese", de la directora china Xiaolu Guo.

Breves reseñas

MOTHER de Bong Joon-ho

Hye-ia es una madre soltera, madre de Do-joon, de 27 años. Su hijo es su razón de vivir. Aunque tenga la edad de adulto, Do-joon es ingenuo y dependiente de su madre y a veces se comporta de un modo estúpido o simplemente peligroso. Es una constante fuente de preocupación para todos. Un día, encuentran a una joven muerta en un edificio abandonado y Do-joon es acusado de su muerte. Bong Joon-ho compitió en la Sección Oficial de San Sebastián con sus dos primeras películas, Barking Dogs Never Bite y Memories of Murder y es también director de The Host. Mother participó en Un Certain Regard en el último Festival de Cannes.

CAST AWAY ON THE MOON, de Lee Hee-Jun

Un joven agobiado por las deudas, recién abandonado por su novia y donde nada parece funcionar en su vida decide suicidarse tirándose desde el puente del Río Han, la fortuna o la desgracia provocan no solo que no muera, si no que se despierte en una isla en medio del río y atravesada (muchos metros por encima) por el propio puente desde el que se tiró. Pronto descubrirá que la vida como naufrago urbano es mejor que la muerte...

KARAOKE, de Chris Chong Chan Fui

Betik is a young man that has just returned from the big city of Kuala Lumpur to his small hometown village. He works with his mother at their family run karaoke bar. Betik slowly becomes reacclimated to small time life and meets diffidant young girl Anisah.

SHE, A CHINESE, de Xiaolu Gou

Ganadora del Leopardo de Oro, máximo galardón del Festival de Cine de Locarno. El jurado oficial de la 62ª edición del prestigioso certamen suizo premió una película que síntesiza la fluidez de relaciones artísticas entre Oriente y Occidente y que -atendida la participación de Alemania, Francia y Reino Unido- se erige como paradigma del buen resultado en la coproducción. La triunfadora es el primer largometraje de ficción de Guo y está centrado en el periplo vital de una joven de la china rural que se esfuerza por marcar su propio destino. Protagonizada por Huang Lu y Wei Yi Bo, según su directora, que también es poetisa y novelista, "quiere dar una voz fuerte a las nuevas generaciones en China" y ofrecer "un mensaje que traspase las fronteras y las identidades culturales".

OLD PARTNER, de Lee Chung-ryoul

El Sr. Choi, quien se ha dedicado a labrar la tierra toda su vida, tiene un amigo de tres décadas que le acompaña en las buenas y en las malas. Ese amigo es nada más ni nada menos que su vaca, que sigue con vida después de 44 años en contra de toda estadística según la cual las vacas viven un promedio de quince años. La vaca es para el anciano su mejor amigo, su mejor herramienta agrícola y su único medio de transporte propio. Por eso, aunque la vejez le quitó la gran parte de su capacidad auditiva, al Sr. Choi no se le escapa ni el más bajo sonido del cencerro por muy lejos que esté del animal. Incluso, con los dolores que siente en una pierna, escala la montaña detrás de su casa para recoger un pienso natural para la vaca; y nunca utiliza insecticidas o fertilizantes químicos, no porque sabe algo de esa nueva moda de la agricultura orgánica, sino porque esas sustancias artificiales podrían perjudicar la salud de su mejor amigo. Por su lado, la vaca, aún con las patas ya debilitadas por la edad, trabaja sin quejarse porque sabe que éso es lo único que puede hacer para el Sr. Choi.

Así, el anciano y la vaca sienten mutuamente un profundo amor y una lealtad de acero. Pero, una primavera, el dueño del animal escucha del veterinario que su mejor amigo no podrá vivir hasta el año próximo…

CITY OF LIFE AND DEATH, de Lu Chuan

Senderos de gloria de Kubrick y Salvar al soldado Ryan de Spielberg. Los primeros minutos de City of life and death recuerdan a estos dos grandes referentes del cine bélico. Lu Chuan dirige una película antibelicista brutal, en la que no da tregua al espectador en ningún momento, especialmente en su primera hora. Se muestra la guerra como lo que es: una completa barbaridad y un sinsentido. Pasada esa primera hora el ritmo se ralentiza ligeramente pero manteniendo la misma capacidad de estremecer al espectador con las atrocidades que está contemplando.

El filme cuenta la invasión de las tropas japonesas a la ciudad de Nanjing a finales de los años treinta durante la guerra chino-japonesa (entre 1937 y 1945). Relata unos hechos que, por lo visto y a día de hoy, muchos japoneses niegan que hayan ocurrido, lo cual hace más estremecedor todo lo que se cuenta. En sólo aquella batalla por la ciudad hubo 300.000 muertos, a quienes está dedicada la película.

TAKING WOODSTOCK (Destino: Woodstock) de Ang Lee

Estamos en 1969 y Elliot Tiber, un decorador de interiores de Greenwich Village, Nueva York, está en mala racha. Se ve obligado a mudarse al norte para ayudar a sus padres en el motel destartalado que éstos tienen en los Catskills, El Monaco. Cuando Elliot se entera de que un pueblo cercano ha conseguido el permiso para hacer un festival hippie de música, llama a los productores, pensando que podría atraer algo de negocio para el motel. Tres semanas después, Elliot se encuentra sumergido en una experiencia que cambiará su vida y la cultura popular para siempre. Un nuevo giro sorprendente en la trayectoria del director de Brokeback Mountain y Sentido y sensibilidad.

YUKI & NINA de Nobuhiro Suwa y Hippolyte Girardot

Yuki, una niña de nueve años, se entera de que sus padres van a separarse. Su padre es francés y su madre japonesa. Tendrá que ir a Japón con su madre, dejando todo en París, como su amiga Nina. Las dos niñas imaginan artimañas para volver a verse. Parece que la única solución es escaparse. Su nuevo destino es el bosque. Una colaboración entre el director japonés de Una pareja perfecta y M/Other, y el actor francés, que por primera vez ejerce de guionista y co-
director. Una de las películas más alabadas por la crítica en Cannes, que participó en la Quincena de Realizadores.

KIKOE, de Chikara Iwai

Este documental sigue al músico independiente japonés Otomo Yoshihide y su carrera. ¿Quién es este tipo? Un talento del jazz, el noise, la música electrónica y autor de infinitas composiciones para el cine y la televisión. Un genio absoluto que editó un dvd Multiple, Otomo. Un tipo que de verdad merece ser conocido. Si les gusta Japón, la música experimental y el delirio, esto es apuesta segura.


Un gancho a la mandíbula


Desgarradora, intensa, amarga, cruda, maravillosamente realista. Así es la opera prima de Yang Ik-June. No estamos diciendo nada nuevo. Arrasó en donde festival se presentó, incluyendo la última edición del BAFICI


Con Breathless tengo una relación especial. Desde que leí la sinopsis, hace mucho tiempo, cuando acá, en Argentina, se iba a realizar una nueva edición del BAFICI, supe que se trataba de una joya. No se porque, el poster, la idea, todo cerraba. Y tenía mi entrada para verla en el festival… pero mi habitual impuntualidad hizo que me cerraran las puertas en las narices. “Ya cerramos… llegaste 15 minutos tarde”… Me dí media vuelta, esquivé personas, bajé las escaleras, y salí del Abasto, maldiciéndome internamente.


Ahora me tocó verla gracias a la gente de Asia Team. Realmente, no sé qué haríamos sin ellos, porque acabo de ver una obra maestra; una película visceral sobre las relaciones familiares y la violencia doméstica. Y tiene el doble plus de que se trata de una ópera prima que Yang Ik-June se encargó de producir, dirigir y actuar.


“Quería expresar mi rabia sobre el drama de la violencia doméstica”. Así definió en una entrevista Ik-June a Breathless, que cuenta la vida de Song-Hoon, un tipo que se gana la vida como matón de un prestamista; alguien que no puede comunicarse con otra persona sino no es a través de la violencia física o verbal. Así lo educaron: de niño vio como su padre mató a los golpes a su madre.


De pronto, un día conoce a una chica con la que, a su manera, entabla una relación con Yeon-heui (Kim Kkobbi), una adolescente que está acostumbrada a la violencia (su padre es veterano de guerra con principio de Alzheimer, y su hermano es, como se dice, un pichón de matón), pero que todavía conserva cierto grado de inocencia.

La película transcurre en la pelea de los demonios internos de Song H Song, en su búsqueda de paz y felicidad, y en sus intentos de “reconstruir” (a su modo) una relación familiar con su hermana, su sobrino, y también con su padre, que salió de la cárcel. Una búsqueda que lo lleva a querer dejar de ser un matón, a querer empezar todo de nuevo, pero las cosas no salen como esperaba. Esperanza y desesperanza en partes iguales.


Una paradoja, sí. Porque es paradójico el propio Song, que hizo de la violencia, aquella misma que sufrió de chico, su forma de vida y subsistencia; también con relación a su padre: Lo insulta, lo golpea y, después, lo redime; es paradójica Yeon-heui, que sufre la violencia en el seno de su familia y, aún así, termina “atraída” por una persona violenta como Song.


Hay dos escenas antológicas: Song Hong, un recio, un tipo duro, llorando desconsoladamente sobre la falda de Yeon-heui; la otra es cuando muere su padre. Breathless es una retrato de lo que pasó en un época en Corea del Sur (“La violencia doméstica no es ahora mismo algo muy habitual en Corea del Sur, pero sí lo era en las generaciones precedentes”, dice Ik-June en el mismo reportaje), pero también una denuncia y una alerta sobre el abismo que genera en el seno de una familia la violencia


Dos cosas a destacar: la forma de filmar de Ik-June. En muchas ocasiones utiliza una especie de cámara en mano, inquieta, algo así como una road movie. Por otro lado, para reunir la financiación para Breathless, Yang Ik-June vendió su propia casa y pidió dinero a sus familiares y amigos. La mayor parte del equipo que levantó el filme no cobró por su trabajo en la producción.


PUNTAJE: 10/10


Año: 2008

Título original: Breathless

País: Corea del Sur

Director: Ik-June Yang

Duración: 130 min

Reparto: Yang Ik-june, Kim Gol-bi, Lee Hwan

GUIÓN: Yang Ik-june

FOTOGRAFÍA: Yun Jong-ho

MONTAJE: Lee Yeong-jeon

PRODUCCIÓN: Yang Ik-june


SINOPSIS: No es habitual encontrar una ópera prima con la intensidad de esta película coreana, ganadora del último festival de Rotterdam. Menos aún una en la que su director-guionista-productor sea también el intérprete del papel protagónico. Y ni hablar de que el rol en cuestión sea uno de los personajes más desagradables que se puedan imaginar para un actor con ganas de lucirse. Sang-hoon, el protagonista, es uno de esos patoteros que los prestamistas contratan para cobrarle a los morosos; el último eslabón de una cadena financiera al margen del sistema y con sus propias reglas. Sang-hoon es un hombre violento y el mundo del que proviene también lo es. La única que parece comprenderlo y hacerle frente es una adolescente (Kim Kko-bbi) cuyo fuerte carácter esconde sus propios problemas.

Pintó el viejazo.

En el caso de Da zui xia (nombre original) es muy interesante ver como se lograban películas tan impactantes con efectos limitados que hoy en día serían como los que podemos ver en los tres chiflados, donde se nota la edición. Pero aún así la magia está en ella, porque debemos situarnos mentalmente en el año que fueron realizadas y por ende, entender lo que generaban en ese público y destacar sobre todo lo que representan hoy en día.

El argumento es bastante sencillo, un grupo de bandidos rapta al hijo del gobernador y piden un rescate por él. Entonces es donde aparecerá la figura de "La Golondrina de Oro", una mujer experta en artes marciales capaz de derrotar a decenas de hombres con sus destreza. Casi podríamos decir que Azumi toma mucho de esta cinta pero exagerándolo de manera muy grotesca. Si bien, es muy común en los personajes de estas películas, teniendo en cuenta como lucha, que es envenenada, y también en que uno de los rebeldes (Cara bonita) es muy parecido al último jefe que enfrenta Azumi en su primer film.

A todo esto, la acción se centra en las espectaculares luchas y la llegada de un tal "Gran Borracho" que terminará teniendo un papel tan protagónico o más que el de Golondrina ya que es el hermano menor de quien encabeza a los rebeldes, siendo esta unión una de sus desgracias con las que debe lidiar en su vida ya que se plantea que debe hacer cuando se vuelvan a ver las caras: seguir las enseñanzas y el mandato de su maestro o ir por el camino de los pecadores.

En algunas parte se torna algo lenta pero no será por mucho tiempo, la última media hora nos entrega más luchas cuerpo a cuerpo y cierran perfectamente los enfrentamientos planteados durante la trama. Golondrina de Oro se trenza con Cara bonita y Gato Borracho con su Hermano Mayor siendo esta última una lucha más llena de fantasía ya que ambos tienen poderes especiales como por ejemplo, una ráfaga de viento en sus puños.

En cuanto a los que participan de Come Drink With Me destaco al director King Hu, quien ha filmado otros éxitos como A Touch of Zen (1969) y Swordsman (1990), siendo esta última una dirección compartida con el gran Tsui Hark y otros. Pei-pei Cheng ha trabajado en "El Tigre y El Dragón" y como dato de color y fuera de créditos me he enterado que uno de los chicos que acompaña a Gato Borracho es ni más ni menos que Jackie Chan.

Esta, al igual que TLHSH es una remasterización de la cinta original, en este caso la compañía Dragon Dinasty ha sido la encargada de realizar la misma y por suerte no es la única que han rejuvenecido ya que hay otros clásicos como The 36th Chamber of Shaolin (considerada como una de las mejores películas de artes marciales de la historia) y Tai Chi Master (Jet Li). Igualmente, si visitan el sitio de la compañía pueden ver que tienen un catálogo que dejaría con la boca abierta a cualquier amante del cine oriental.

En fin, "La Golondrina de Oro" es una cinta muy buena, digna de ver y recomendar pero no logró llenarme como "Todos los hombres son hermanos", lo que no la desmerece en absoluto. Evidentemente Hong Kong siempre ha sido una fuente inagotable de buen cine y he aquí otra muestra más de ello.

Puntaje: 8/10



Título Original: Da zui xia
Género: Acción Año: 1966 País: Hong Kong Duración: 90 min.
Director: King Hu Reparto: Pei-pei Cheng, Hua Yueh

Sinopsis: Un grupo de bandidos rapta al hijo del gobernador y piden un rescate por él.

Para entender el presente hay que conocer el pasado.

Hoy tuve la infinita suerte de introducirme en el cine de Chang Cheh, creador de auténticos Wuxias clásicos que marcaron el cine hongkonés de fines de los '60 y los ´70. En esta cinta, lo acompaña Wu Ma, director de A Chinese Ghost History.

El principal protagonista es David Chaing, un actor que trabajara en el clásico de la hammer "The Legend of the 7 Golden Vampires" (1974) junto al legendario Peter Cushing. Además de sus protagónicos de la época, también compartió su destreza con Jet Li en Once Upon a Time in China 3. David Chaing venía a representar a uno de los actores fetiche de Chang Cheh (como Tim Burton con Johnny Depp). Éste lo acompañará en varios films de aquellos años creando film inspiradores para el futuro. Y como Bonus, All the Man are brothers cuenta con la presencia de Bolo Yeung que, para los que no saben quien es, les cuento que es el mismísimo "malo" de El Gran Dragón Blanco (bloodsport) que peleara épicamente con Jean Claude Van Damme.

Bien, ya le he dedicado algunas líneas a los que componen la película, ahora es el tiempo de meternos más de lleno en ella como tal y por fin, luego de varias cintas vistas he dado con una de esas que se queda en mi mente por muchas cualidades que intentaré describir de la mejor manera.

En principio, Shui hu zhuan tiene como argumento una historia bastante utilizada en el cine de artes marciales, sobre todo en estos Wuxias que particularmente siento como Western orientales. Un grupo de rebeldes, quieren terminar con un imperio que los tiene a maltraer y así planean una invasión maratónica a la fortaleza donde se encuentra el emperador.

Lo mejor, es que las luchas son tremendamente reales, los protagonistas son heridos en varias oportunidades y caerán batalla. No hay efectos especiales ni lugar para la fantasía, lo que no quita que las escenas de lucha sean realmente espectaculares. La trama se hace muy amigable y los 100 minutos de duración transcurren demasiado rápido, no dando lugar a escenas innecesarias o de relleno.

Todos los hombres son hermanos es un éxito asegurado y cumple con creces con los requisitos para ser un clásico del género y la buena noticia es que este dvd es una remasterización que se ha lanzado en Zona 2 por lo que son varias las cintas que se podrán conseguir con una excelente calidad. Hay que destacar que esta película fue filmada en 1973 y gracias a la tecnología tiene una imagen superior a muchas otras que se editan hoy por primera vez. El sonido no ha sido modificado en relación al original por lo que uno mantiene ese sabor a cine retro de culto.

Definitivamente Shui hu zhuan se ha transformado en un puntapié inicial a seguir viendo estas obras de antaño y sirve de ayuda a comprender porque las producciones actuales tienen tanta aceptación.

Puntaje: 10/10


Título Original: Shui hu zhuan
Género: Artes Marciales Año: 1973
País: Hong Kong Duración: 103 min.
Director: Chang Cheh, Wu Ma
Reparto: David Chiang, Ni Kuang, Ti Lung, Bolo Yeung

Sinopsis: Yen Ching David Chiang es uno de los líderes del Liang Shan. El emperador le pide a él y sus camaradas que se le unan para eliminar a la banda rebelde de Fang La. Durante el primer ataque a la fortaleza rebelde, muchos de los líderes del Liang Shan son asesinados. Los supervivientes planean un segundo ataque, pero son descubiertos por los rebeldes y sus planes son interrumpidos. El Liang Shan vuelve al ataque por tercera vez, capitaneados en esta ocasión por Yen Ching y Chang Shun Danny Lee en un último intento de capturar a los rebeldes.

En 2009, el Buenos Aires Rojo Sangre (BARS), el festival internacional dedicado al cine independiente de terror, fantástico y bizarro, cumple 10 años . En esta edición, que tendrá lugar del 29 de octubre al 4 de noviembre, una de las cintas que competirá en la sección Internacional será "Samurai Princess", de Kengo Kaji. Al mando de los efectos especiales de esta película está Yoshihiro Nishimura, que se encargo también de los de Tokyo Gore Police. El agente de ventas se ha atrevido a describirla como genero de "Acción Erótico-grotesca".


La historia tiene lugar en algún momento, en algún lugar en un mundo durante la era Samurai, en donde las personas conviven con muñecas mecánicas altamente desarrolladas. Sin embargo, están excesivamente desarrolladas, dando inicio a una guerra contra la sociedad humana. Dadas las circunstancias, Kyoraku, un científico loco, crea una ninja mecánica. Equipada con 11 tipos de armas, una muñeca ninja, que no muere, incluso si es cortada por una espada o disparada, una ninja virtualmente indestructible.

BARS: Un poco de historia

Cuando comenzó –en el 2000– sólo había un puñado de realizadores dedicados al cine de género y muy pocos se habían animado al largometraje.

En está década, el BARS creó un espacio donde se estrenaron más de 50 largometrajes nacionales y unos 1000 cortometrajes, lo que supera ampliamente lo que se hizo en Argentina en todo el siglo pasado en relación al cine de género. Un cine que generalmente es relegado – sino directamente ignorado – en la gran mayoría de los encuentros cinematográficos.

El festival permitió unificar un escenario, sumar público, establecer referentes y -fundamentalmente-, demostrar que hay una movida generacional cohesionada en torno a la pasión por el cine fantástico, que de a poco empieza a salir de los sótanos para pasar a ser reconocida en otros ámbitos.

La edición 2009

Como reconocimiento a los verdaderos protagonistas del festival, se estrenará "Rojo Sangre, 10 años a puro género", un documental que recorre el crecimiento y evolución del cine fantástico ultraindependiente argentino, con decenas de entrevistas a realizadores, críticos, especialistas, distribuidores y fans.

El núcleo del festival estará en la Sección Internacional Competitiva, que, incluirá tres producciones nacionales: "Recortadas", de Sebastián de Caro; "Masacre esta noche", de Adrian Garcia Bogliano; y "Ellos quieren mis ojos", de Sergio Esquenazi. Con ellas competirán cintas de los mas variados estilos y géneros, como la sanguinolenta película japonesa "Samurai Princess", del mismo equipo que produjo "Tokyo Gore Police" (mejor película BARS 2008), "Zone of the Dead", la primer producción serbia de zombies; la bizarra comedia brasilera "Morgue Story" ; la sádica y multipremiada película
alemana "Must Love Death" ; la británica "Colin", que apenas costó 70 dólares y es la primer película de zombies desde la perspectiva de un muerto vivo. También se verán la comedia estadounidense de vampiros "Blood on the Highway" y el homenaje a los clásicos giallos en la italiana "Il Metodo Orfeo".

La Competencia Iberoamericana incluirá títulos argentinos como "Operación Cannabis", "Chicas Vampiras" y "Zombienation", junto a producciones como "Dirty Love" (Chile), "La Balada de Vald Tepes" (Uruguay) y "Real Zombie Revolver" (España).

La sección Panorama incluye, entre otras, varias novedades como "Terror en la Antártida", con la bella Kate Beckinsale resolviendo un terrible misterio en el continente helado, la película fantástica española –pero filmada en nuestra patagonia– "Aparecidos", la cinta chilena de zombies "Solos", la nueva gran producción nacional de terror "Lo Siniestro" y la interesante aproximación argentina a la ciencia ficción de "Cabeza de pescado". Todas con proyecciones en 35mm.

Los cortometrajes tendrán un espacio destacado, proyectándose mas de un centenar en diferentes secciones. Por otro lado, Retrospectiva México nos acerca un pequeño recorrido por dos autores fundamentales del cine fantástico del país hermano. Por un lado se verán Museo del horror (1963) y La loba (1964) de Rafael Baledón y por otro Macario (1959) y Doña Macabra (1971) de Roberto Gavaldón. Esta sección es presentada por el festival Mórbido de México.

El Zombie Festival será una sección competitiva exclusivamente hecha con cortometrajes filmados en la ZombieWalk del pasado 4 de octubre y editados en apenas dos semanas, un experimento fílmico de fascinantes resultados.

El ya tradicional espacio Lovecraftiana propone un acercamiento a las adaptaciones
cinematográficas de las obras del mítico autor estadounidense H.P. Lovecraft.

Tambien habrá seminarios de efectos especiales y actividades gratuitas como la MonsterWalk (caminata de mostros para el 31 de octubre), la presentación del libro Zombies Una enciclopedia del cine de muertos vivos , de Luciano Saracino, charlas y conferencias.

Buenos Aires Rojo Sangre Del 29 de octubre al 4 de noviembre, en el complejo Monumental Lavalle, Lavalle 780, Bs As

Entradas: 8$ por función.

Más info: acá.

El misterioso “Pluto”
Por Tincho*

En 1952 nacía en Japón un manga revolucionario que con el tiempo llegó a provocar el primer boom del anime, convirtiéndose además en el primer producto del género en alcanzar una enorme popularidad en occidente. Gracias a su pequeño personaje el autor, Osamu Tezuka, quien hoy recibe el título de “Padre del anime”, recibió reconocimiento internacional y se convirtió en una inspiración para las nuevas generaciones de mangakas. El nombre de ese manga era Astro Boy (Astroboy en nuestras tierras).

Más de 50 años más tarde, Naoki Urasawa, el genio del manga de nuestros tiempos, dio origen a “Pluto”, una serie que ideó como un tributo a Astroboy pero que se convirtió en una historia mucho más rica gracias a la mirada oscura y el suspenso que caracterizan a lo mejor de su obra. Pruebas sobradas de la capacidad de Urasawa para crear espectaculares historias son el ya clásico Monster y 20th Century Boys, sin dudas uno de los mejores mangas de los últimos tiempos y recientemente traducido al Live Action con excelentes resultados.

Volviendo a Pluto, en este magistral trabajo de 65 capítulos, Urasawa, fiel a su estilo, comienza la historia con un asesinato, aunque en este caso la víctima se trata de un robot. Liberados por un acta de leyes, los seres artificiales conviven con los humanos en igualdad de derechos, si bien tienen prohibido lastimarlos. La destrucción de una de la siete inteligencias artificiales consideradas “armas de destrucción masiva” y el posterior homicidio del científico que le dio origen provocan el pánico y el desconcierto en esa sociedad futurista.

Otro de estos siete robots, un policía alemán llamado Gesicht, es puesto a cargo de la investigación la cual rápidamente se convienrte en un caso de muertes múltiples que tiene a las máquinas más poderosas del mundo y de los mejores científicos de robótica como blancos. El culpable de estos crímenes es un ser anónimo denominado Pluto (Plutón en inglés), por el dios de la muerte en la mitología romana.

Las claves son confusas y el autor logra en todo momento mantener el clima de tensión y misterio, con la profundidad psicológica y el contenido social que hacen a su obra tan atractiva. El arte realista y la fortaleza de los diálogos respaldan ese estilo, incluso en los pasajes más amenos o en los que parecen carecer de importancia.

La sorpresa más grata es la aparición de Tetsuwan Atom, un robot niño de gran sensibilidad que puede volar impulsado por los cohetes en sus pies, ¿les suena conocido? De hecho Tetsuwan Atom es el nombre que recibió la serie de animé de Astroboy en Japón. Otros personajes como el profesor Tenma, creador de Astroboy, y Uran, su hermana, también aparecen en la historia y tienen su importante participación.

A medida que avanza el guión, Atom le roba paulatinamente el protagonismo a Gesicht, aunque cada uno de los siete robots a los que ataca Pluto tiene algún momento de estrellato. El pequeño niño-máquina, que muestra muchas más facetas y personalidad que su versión original, será finalmente la clave para resolver el misterio y acabar con la amenaza de Pluto.

Para este trabajo Urasawa compartió el crédito con Tezuka a pesar de que este último nada tuvo que ver con el desarrollo de Pluto debido a que la historia se basa en una serie de capítulos del manga de Astroboy denominada “El robot más fuerte del mundo”. Allí el personaje de Pluto era un robot de pelea que desafiaba uno tras otro a los más fuertes del mundo, entre ellos Astroboy, por orden de su dueño. La historia de fondo tiene poco a que ver con la original, aunque se mantuvo el diseño de los personajes y varios de sus nombres y características.

La publicación de Pluto en Big Comic Original concluyó en abril de este año con merecidas aclamaciones del público y de la crítica. En coincidencia, el 23 de octubre próximo llegará a las salas de cine la película de Astroboy, realizada en 3D y basada en el remake del anime que se realizó en 2003. A diferencia de la obra de Urasawa, que apunta a una audiencia madura, la película está dirigida a un público infantil, por lo que los fanáticos originales de la serie deberán contentarse con Pluto.

* Un nuevo aporte de nuestro especialista en Manga & Animé.


Con las respuestas de los españoles Andy & Sei, de DimSumCinema.com, en EO Cine volvemos con las entrevistas en el mundo de la blogósfera oriental. Gracias por sus respuestas y los invitamos a ver su site.


EO Cine: ¿Cómo nació el interés sobre las películas orientales?


Pues como el de mucha gente, viendo los clásicos de los 80 de Hong Kong. Luego, una cosa llevó a otra, de Bruce Lee pasamos a The Ring y nos acabamos aficionando a todo tipo de cine oriental.


Una parte viene de la infancia, viendo las películas de la Shaw, de Bruce y Jackie que nos llegaban a los videoclubs, y sí, incluso las de los clones de Bruce, en aquella época no se le hacía ascos a nada. El cine de acción y de artes marciales de Hong Kong eran una respuesta inteligente y original a los Van Damme y Chuck Norris que nos llegaban en los videoclubs y con los que nos bombardeaban por la tele.


Las películas de Godzilla siempre eran bienvenidas alguna noche del fin de semana, y de ahí llegó Kitano y el cine de terror japonés. A partir de ahí tuvimos la época de ver todo lo que llegara de Ásia, y hoy en día (y gracias a Dios) somos más selectivos (o nuestros amigos ya no querrían quedar con nosotros a ver películas).


Pero sí, en resumen el interés nos viene de muy lejos.


EO Cine: ¿Qué diferencias podés encontrar entre el cine oriental y el occidental?


Tantas y tan pocas a la vez... podríamos hablar de ritmo, de tempo, de fotografía, pero la verdad es que al final cada director tiene su librillo y cada vez se están influenciando más mutuamente.


Antes era más fácil encontrar diferencias, pero hoy en día el cine oriental se influencia ya a si mismo (Japón, Corea del Sur, China, Hong Kong, Tailandia etc. van aprovechado lo que más éxito tiene en las cinematografías vecinas). Y el cine occidental ha cambiado mucho, también intentando adaptar esencias del cine oriental (a veces demasiado manchado de "Orientalismo") y el propio cine oriental (que es difícil hablar de cine oriental en general cuando cada país tiene sus propias marcas identificativas) intenta influenciarse (a veces en exceso) de todo lo que triunfa en Occidente, como es ejemplo la terrible, oh tan terrible, Kung Fu Cyborg (aka me ha gustado transformers, voy a hacer algo a la china).


EO Cine: ¿Cuáles son tus películas de cabecera? ¿Por qué?


La lista es enorme (y más si nos ponemos a sumar las de los dos), pero poniéndolas en común, y por decir algunas, Out of The Dark, Shimotsuma Monogatari, Police Story, Ju-on, Shangai Express, Chungkin Express, The Host, Please Teach Me English, Mr. Vampire, Una historia china de fantasmas...


Cada una tendría su razón, pero creemos que son películas que han marcado una época (Police Story, Una historia China de Fantasmas) o simplemente nos han encantado y no nos cansamos de verlas ( Out of the Dark, Shimotsuma Monogatari, Please teach me english), o pensamos que deberían estar en cualquier lista de favoritos de cualquiera que sea aficionado al cine asiático (Chungkin Expess, Ju On, The Host)


EO Cine: ¿Cuáles fueron las mejores y las peores películas de los últimos dos años?


Ya nos queda lejos el 2008, pero fue un año muy bueno por lo general (no como este 2009 que no nos está dejando demasiadas joyas). Entre las que más nos han gustado nos quedamos con IP Man, Chocolate, Pako and The Magical Book, 20th century boys, Guilala (que no es una gran película...pero es tan tremendamente absurda y desternillante...)


Y las que más nos defraudaron, Ong Bak 2 sin dudarlo. Una película con una gran primer aparte se convierte en una película sin lógica ni sentido, en la que las coreografias son pocas, cortas (o excesivamente largas) y con falta de interés, y con un final que es una bofetada al espectador en el que casi puedes oír la risa malévola del que lo ideó.


Forbidden Kingdom también es una de las peores, por que el director ha conseguido que la primera película con jet Li y Jackie Chan sea una bazofia intragable, y eso es muy difícil. Y no lo decimos nosotros, el propio Jackie y Jet aconsejaron a sus fans asiáticos que fueran a ver la película con "una mente abierta, por que es una película hecha para americanos".


EO Cine: ¿Si tuvieras que recomendar 10 películas para iniciarse en el cine oriental, cuáles recomendarías?


Difícil de decir ya que es importante tener en cuenta las preferencias de la persona a la que vas a recomendar las películas. Vamos a intentar ser lo más generalistas posibles:


THE RING, por la revolución del género del terror que representó.


ÉRASE UNA VEZ EN CHINA, por ser uno de los clásicos modernos.


SHAOLIN SOCCER, porque gusta a todo el mundo.


MEMORIES OF MATSUKO, por su estupenda fotografía y mejor historia.


EL VERANO DE KIKUJIRO, por que debería verla todo el mundo.


LOS TRES DRAGONES, por unir a los tres grandes de la época.


INFERNAL AFFAIRS, por resucitar el cine de Hong Kong.


WATERBOYS, por que unos chavales de instituto aprenden a bailar bajo el agua usando delfines.


BATTLE ROYALE, por extrema, por Chiaki y por Kitano.


THE KILLER, por ser la punta de lanza del nuevo cine cantonés en su época.


Por supuesto, también recomendaríamos cualquiera de nuestras preferidas.


EO Cine: Lo mismo que lo anterior, pero con el animé.


Vamos a intentar poner pocas de Ghibli...


TONARI NO TOTORO, porque somos unos sentimentales.


TOKYO GODFATHERS, porque el drama de la vida también puede ser divertido.


AKIRA, no nos apasiona pero marcó un principio.


BUBBLEGUM CRISIS (lo sabemos, son OVAs pero salen chicas y mechas).

EVANGELION, nos encantan los robots gigantes y puestos a recomendar, es más vistoso que MAZINGER-Z.


CAPTAIN HARLOCK, por la libertad!


PERFECT BLUE, por abrir puertas.


MAHÔ NO TAKKYUBIN, porqué le gusta mucho a Sei.


KIMAGURE ORANGE ROAD, porqué le gusta mucho a Andy.


TOKI WO KAKERU SHÔJO, por ser de lo poco bueno que se hace últimamente.


EO Cine: Cinco directores a destacar, y por qué...


JOHN WOO, no muchos directores hoy en día pueden jactarse de haber creado un género, y desde luego, Woo lo ha hecho, traspasando fronteras y dejando en libertad a muchas palomas.


HAYAO MIYAZAKI, por dedicar toda una vida a crear obras llenas de magia y a acercar el cine de animación a muchos adultos.


TAKESHI KITANÔ, por dar forma a ideas abstractas sin miedo a crítica y público, en cualquier tipo de género.


TETSUYA NAKASHIMA, aunque cuenta con una carrera corta ya le sobran méritos para entrar en la lista.


SAMMO HUNG: por que fue capaz de convertir películas del estilo de los clásicos de la Shaw Brothers en comedias que disfrutaría cualquiera que no aguantara el ritmo o guiones de las películas antiguas convencionales.


EO Cine: Cinco actores a destacar, y por qué...


ANDY LAU, poco tenemos que decir para justificar su aparición en esta lista.


CHIAKI KURIYAMA, nos da un morbazo terrible.


LESLIE CHEUNG, uno de los primeros ídolos modernos que supo moverse bien en muchos registros diferentes, aunque no tan bien en las azoteas.


MAGGIE CHEUNG, por que no hay peli cantonesa sin ella.


STEPHEN CHOW, amamos a este tipo, qué le vamos a hacer.